Lo sublime es una categoría estética, derivada del escritor griego Longino, y que consiste fundamentalmente en una belleza extrema, capaz de arrebatar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar.
El concepto de lo “sublime” fue redescubierto durante el Renacimiento, y gozó de gran popularidad durante el Barroco, durante el siglo XVIII alemán e inglés y sobre todo durante el primer Romanticismo.
Según Longino, hay cinco caminos distintos para alcanzar lo sublime: “grades pensamientos, emociones fuertes, ciertas figuras de habla y de pensamiento, dicción noble y disposición digna de las palabras”.
Escritos sobre este tema
“Una investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas de lo sublime y lo bello” (1756) de Edmund Burke. Para él lo sublime y lo bello son categorías que se excluyen mutuamente, del mismo modo en que lo hacen la luz y la oscuridad. La belleza puede ser acentuada por la luz, pero tanto una luz demasiado intensa como la total ausencia de luz son sublimes, en el sentido de que pueden nublar la visión del objeto. La imaginación se ve así arrastrada a un estado de horror hacia lo “oscuro, incierto y confuso”. Este horror, sin embargo, también implica un placer estético, obtenido de la conciencia de que esa percepción es una ficción.
Y para Emmanuel Kant lo sublime es “lo que es absolutamente grande”. Pero teniendo en cuenta el poder de estas visiones sobre la persona, causa un displacer enraizado en el miedo.
Así, lo bello es una tranquila contemplación, un acto reposado, mientras que la experiencia de lo sublime agita y mueve el espíritu, causa temor, pues sus experiencias nacen de aquello que es temible, y se convierte en sublime a partir de la inadecuación de nuestras ideas con nuestra experiencia.
Kant interpreta la naturaleza como fuerza, y en ella está lo sublime:
“Rocas audazmente colgadas y, por decirlo así, amenazadoras, nubes de tormenta que se amontonan en el cielo y se adelantan con rayos y con truenos, volcanes en todo su poder devastador, huracanes que van dejando tras de si desolación, el océano sin límites rugiendo de ira, una cascada profunda en un río poderoso, etc, reducen nuestra facultad de resistir a una insignificante pequeñez, comparada con su fuerza. (…) llamamos gustosos sublimes a esos objetos porque elevan las facultades del alma por encima de su término medio ordinario”.
Arthur Schopenhauer hizo una lista de las etapas intermedias desde lo bello hasta lo más sublime:
- Sentimiento de lo bello - La luz reflejada en una flor (placer por la percepción de un objeto que no puede dañar al observador).
- Sentimiento muy débil de lo sublime - La luz reflejada en unas rocas (placer por la observación de objetos que no suponen una amenaza, pero carentes de vida).
- Sentimiento débil de lo sublime - Un desierto infinito sin movimiento (placer por la visión de objetos que no pueden albergar ningún tipo de vida).
- Sentimiento de lo sublime - Naturaleza turbulenta (placer por la percepción de objetos que amenazan con dañar o destruir al observador).
- Sentimiento completo de lo sublime - Naturaleza turbulenta y abrumadora (placer por la observación de objetos muy violentos y destructivos).
- Sentimiento más completo de lo sublime - La inmensidad de la extensión o duración del universo (placer por el conocimiento del observador de su propia insignificancia y de su unidad con la naturaleza)
Y por último destaca Víctor Hugo, que define lo sublime como una combinación de lo bello y lo grotesco, opuesta a la idea clásica de perfección. Sus obras escritas: El jorobado de Notre Dame y Los Miserables.
Pinturas y Acuarelas de William Turner
Este pintor expresa la idea de “sublime” que se desarrolló en el romanticismo. Una idea que une el placer estético que provoca la belleza con el displacer que decía Kant y que exalta el corazón y la mente.
Destaca en Turner su creación de atmósferas, su utilización de empastes y una representación de la luz impresionista. Por supuesto, es precursos del impresionismo. Pero sobretodo destaca la libertad de su pincelada. Y en mi opinión, aunque puedo equivocarme, el uso de un color muy del romanticismo: el amarillo de nápoles, que tiene una calidad “impresionante” y es ideal para crear la luz de turner.
Turner es llamado el mejor acuarelista inglés y es uno de los artistas que más han desarrollado y revalorizado esta técnica. La acuarela pasó así a ser considerada una técnica independiente y de calidad.
Acuarelas de Turner:
Óleos de Turner:
El temerario remolcado a dique seco, (1839).
El naufragio.
Lluvia, vapor y velocidad, pintado en (1844).
El incendio en las casas del Parlamento
La batalla de Trafalgar (The Battle of Trafalgar).
El gran canal de Venecia.
Ulises burlando a Polifemo.
Anibal cruzando los Alpes.
Otros pintores románticos que también desarrollaron estas ideas en sus cuadros:
Caspar David Fiedrich destaca con su obra El caminante sobre el mar de nubes.
En la historia del arte y la pintura hay un tema pictórico que se repide y seguirá haciéndose eternamente: las pinturas con una o varias mujeres desnudas.
Es sin duda un tema muy interesante para los pintores, hombres o mujeres. ¿Por qué? ¿Tiene todos estos denudos algo en común? ¿Qué aportan a la historia y desarrollo del arte?
Para recapacitar sobre todo esto, primero quiero mostrar algunos de los desnudos más bellos, famosos y polémicos en su momento:
1. La venus del espejo de Diego Velázquez
También llamada: The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. Pintada a mediados del siglo XVII
Se trata de una diosa, claro. Esta era la escusa utilizada en la antiguedad para pintar desnudos. Es decir, debia ser alguna diosa mitológica, normalmente Venus por ser la diosa del amor, y de paso, diosa del erotismo y el sexo.
Sin embargo, es famosa esta obra porque Velazquez trata el tema de un modo más mundano, pues pinta a la diosa como a una mujer. Es decir, solo si nos dicen de quien se trata lo podemos saber, sin ese conocimiento, la pintura representa simplemente a una mujer, su belleza y sensualidad.
2. La maja desnuda de Francisco de Goya
Pintada poco antes del siglo XIX.
La maja desnuda es un misterio porque la razón del pintor para realizar esta obra no está justificada. La mujer no es ninguna diosa ni se trata un tema mitológico o religioso. Pero íntimamente creemos que Goya la pinto porque le dio la gana. Una buena razón, por cierto.
3. El Origen del mundo de Goustave Courbet
Pintado a principios del siglo XX.
Aquí tenemo un cuadro de Courbet mucho más atrevido y creativo. Ya no es un retrato de mujer desnuda si no un retrato del sexo femenino. Nos vamos acercando a la cuestión. Lo que más interesa no es solo la bonita forma de la mujer, si no también, su sexo.
4. Desnudo tumbado de Amadeo Modigliani
En esta obra se añade un facto importante. El propio placer de la mujer con su sexo y con su erotismo. No solo se representa un desnudo, también una sensación.
Esta es la primera parte de un buen tema pictórico. El sexo: Los retratos de desnudos de mujer.
Continuará…
Consejos de LEONARDO DA VINCI: El Hombre Multidisciplinar
“Hay que contemplar, hay que pensar. Quien piensa poco, se equivoca mucho.”
Quiero destacar en esta ocasión los sabios consejos de Leonardo Da Vinci, para el arte, para la vida, y en general, para desarrollar una actitud y personalidad abierta al conocimiento.
Toda su obra es fruto de su forma de razonar y de su método para conocer por medio de una profunda y muy racional observación de las cosas.
Su búsqueda del conocimiento y de la verdad, nace de su gran admiración y amor por toda la Creación.
Estas frases resumen su pensamiento y son consejos para la vida:
“No estimar la vida, toda la vida, es no merecerla.”
“Mira la luz y admira su belleza. Cierra los ojos y observa. Lo que has visto antes ya no está. Lo que verás después no existe todavía.”
“Todo conocimiento comienza por los sentimientos.”
“Tu dios mio, vendes todos los bienes a los hombres al precio del esfuerzo”.
”Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte.”
“A los ambiciosos que no se conforman con la belleza del mundo les será impuesto el castigo de no comprender nada del esplendor del Universo.”
Frases y Consejos para el Arte. La ciencia como guía del arte.
Su observación de la naturaleza fue continua a lo largo de su vida. Hizo unos excelentes estudios de Botánica, de anatomía, de mecánica y de otras ciencias que se han desarrollado después. Estos conocimientos son la base de la coherencia, vida y sentido de sus dibujos.
“Obstinato rigore (De rigor obstinado). Que no me lea nadie que no tenga en cuenta que me apoyo en las matemáticas para todas las cosas”.
“La alternancia de las hojas en las ramas tiene dos propósitos. El primero es distribuir bien el espacio para que el aire y el sol puedan pasar entre ellas. El segundo, permitir que las gotas que caen desde la primera hoja, lleguen a la segunda, tercera, cuarta…”
“Yo formulo una teoría sobre el crecimiento de las plantas que atribuyo a la tierra, al sol, pero también al rocío y a la lluvia.
Observo de cerca las raíces, las ramas y la corteza de los árboles. Estudio el movimiento de la sabia. Busco de hecho, el principio de la vida, lo que llamo: El Alma Vegetativa.”
Destaca en su obra la representación del movimiento. Muchas de sus pinturas poseen esta sensación de movimiento: La sonrisa de Monalisa, los gestos de los apóstoles en La Última cena y su San Juan Bautista. Para Leonardo esta captación de energías y movimientos era la representación de lo vivo. La pintura debe estar viva y lo logra al generar la sensación de movimiento.
Y por otra parte, para lograr un mayor parecido de la pintura con la realidad, se percató del factor atmosférico y los elementos que influyen en la perspectiva (questión de geometría, luz y color). Desarrolló el esfumato y aquí expongo algunas frases – consejos sobre cómo llevarlo a cabo:
El Esfumato
“La textura del aire tiene un papel evidente en la percepción de los objetos lejanos. Por eso, para pintar los paisajes de la Virgen de las rocas, puse un velo de brumas sobre las montañas. Así pues, pintor, cuando representes montañas, cuida de que en las colinas las bases sean siempre más pálidas que las cimas. Cuanto más tengas que acentuar la lejanía, más pálidas las tienes que pintar. A medida que se vayan elevando irán mostrando sus auténticas formas, sus auténticos colores.”
“El intermediario, colocado entre el ojo y el objeto percibido, transforma éste objeto confiriéndole su propio color. Así la tonalidad de la atmósfera hace azules las montañas lejanas.
Si quieres que algo parezca estar cinco veces más lejos, píntalo cinco veces más azul.”
Por último añado un par de frases más que también sirven de consejo:
”Donde el alma no trabaja junto con las manos, ahí, no hay arte.”
“La naturaleza benigna provee de manera que en cualquier parte halles algo que aprender.”
”La sabiduría es hija de la experiencia.”
Pollock pintando con acrílicos
Pinturas Acrílicas
Los acrílicos son pinturas cuya base aglutinante es el látex.
Ventajas:
- Se limpia con agua y jabón. No deja olor. Comodidad en el trabajo.
- Buen color y calidad, aunque esto dependerá del acrílico que utilicemos y es una cuestión de gustos, deseos y necesidades.
- Se puede acabar/ trabajar como mate o brillo.
- Variedad de soportes. Mucha capacidad de mezcla con collage y técnicas mixtas. Esto es gracias a que el látex sirve para pegar elementos, crear texturas, etc. y sobre él si que se puede pintar también con otras pinturas grasas.
Desventajas:
- Secado rápido, para retardarlo hay que usar líquido “Retardador”.
- Puede estropear mucho los pinceles si no se tiene cuidado puesto que la pintura se seca rápido y el látex una vez endurecido cuesta de limpiar.
- Para hacer transparencias hay que usar un líquido “Transparentizador”.
- Para hacer efectos, empastes /impastos y veladuras se puede usar un “Gel acrílico”.
- Mayor riesgo de cuarteado en el cuadro sobretodo si se utiliza agua.
Se aconseja utilizar en el mismo cuadro la misma marca / tipo de acrílicos para evitar reacciones químicas que puedan estropear la pintura con el paso del tiempo.
Para diluir los acrílicos comprados se aconseja también utilizar “Fluidificadores” que son también acrílicos, en vez de agua, para que el acrílico permanezca estable.
El acrílico es una pintura gracias a la cual una persona puede pintar en la habitación de una casa sin apestar de olor el resto de la casa. Y se podrá pintar en el formato, técnica, modo que se desee puesto que aporta mucha libertar y es un medio que tiene gran capacidad.
Se puede pintar de muy diversas maneras utilizando; pulverizadores, esponjas, espátulas, rasquetas, rodillos, barnices, etc.
Se pueden hacer los acrílicos con látex y pigmento en polvo.
Hay una gran variedad de acrílicos a la venta. Venden desde acrílicos de tamaño industrial de gran formato, ideal para gastar mucha pintura. Hasta acrílicos con colores especiales y de calidad excelente.
Las imprimaciones son la preparación de las telas y maderas donde vamos a pintar para que el tramado del soporte sea más liso y se pueda empezar a trabajar con la pintura.
IMPRIMACIÓN A LA CRETA
Ingredientes y medidas:
1 pastilla de cola de conejo (50-75 gramos), dejada coagular durante 1 dia.
3/4 de litro de agua
200-300 grmos de yeso mate o blanco de España
100 grs. de blanco de Zinc o blanco de Titanio (materias colorantes blancas)
y/o 100 grs. de almagra o bolo (materias colorantes rojas)
Se puede añadir una cucharada de miel o glicerina
La cola de conejo tensa muy fuertes las telas. En maderas aconsejo una menor proporción de cola de conejo.
En general, se realiza una primera mano con una proporción más grande de cola de conejo y una segunda que tapará el tramado de la tela con más pigmento.
IMPRIMACIÓN A LA MEDIA CRETA
Ingredientes y medidas:
1ª mano:1 pastilla de cola de conejo
2ª mano (antes de secar por completo la anterior):
1 pastilla de cola de conejo disuelta en 3/4 de litro de agua, dejada coagular durante 1 dia.
Se baten sobre ella 25 c.c. de aceite de linaza (mejor espesado o cocido) o barniz de Almáciga o Dammar.
El aceite puede ir previamente batido con una yema de huevo.
También puede añadirse 25 c.c. de leche desnatada.
Se calienta la mezcla agregando 3/4de litro de agua.
Se le aporta el material de carga semejante a la receta anterior.
IMPRIMACIÓN GRASA:
Media creta más aceite de linaza en gran proporción.
Mezcla de blanco de Plomo al 75% y blanco de Zinc al 25% con aceite de linaza.
IMPRIMACIÓN AL HUEVO:
Creta o media creta más 1 huevo de gallina (entero o sólo yema)
IMPRIMACIÓN DE GACHA O ENGRUDO:
Harina, aceite de linaza u oliva, miel, cola y aguarrás.
IMPRIMACIÓN ACRÍLICA PARA 1m^2 DE TELA:
3/4 de litro de agua
250 grs. de látex
250-300 grs. de yeso mate o blanco de Zinc
IMPRIMACIONES CON RELIEVES
Se pueden crear texturas en el soporte de muchos modos. Los más utilizados son la arena, la piedra pómez en polvo, pasta de papel, telas, algodón, etc. Esto dependerá de la idea que se tenga y la experimentación con materiales. La textura creará relieves, formas sobre las que luego se pinta. Estas imprimaciones con textura son más fáciles de preparar con látex.
Por ejemplo con la pintura pastel se luce mucho la textura hecha con piedra pómez en polvo.
