Pintura y Artistas

En la historia del arte y la pintura hay un tema pictórico que se repide y seguirá haciéndose eternamente: las pinturas con una o varias mujeres desnudas.

Es sin duda un tema muy interesante para los pintores, hombres o mujeres. ¿Por qué? ¿Tiene todos estos denudos algo en común? ¿Qué aportan a la historia y desarrollo del arte?

Para recapacitar sobre todo esto, primero quiero mostrar algunos de los desnudos más bellos, famosos y polémicos en su momento:

1. La venus del espejo de Diego Velázquez

También llamada: The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. Pintada a mediados del siglo XVII

Se trata de una diosa, claro. Esta era la escusa utilizada en la antiguedad para pintar desnudos. Es decir, debia ser alguna diosa mitológica, normalmente Venus por ser la diosa del amor, y de paso, diosa del erotismo y el sexo.

Sin embargo, es famosa esta obra porque Velazquez trata el tema de un modo más mundano, pues pinta a la diosa como a una mujer. Es decir, solo si nos dicen de quien se trata lo podemos saber, sin ese conocimiento, la pintura representa simplemente a una mujer, su belleza y sensualidad.

2. La maja desnuda de Francisco de Goya

Pintada poco antes del siglo XIX.

La maja desnuda es un misterio porque la razón del pintor para realizar esta obra no está justificada. La mujer no es ninguna diosa ni se trata un tema mitológico o religioso. Pero íntimamente creemos que Goya la pinto porque le dio la gana. Una buena razón, por cierto.

3. El Origen del mundo de Goustave Courbet

Pintado a principios del siglo XX.

Aquí tenemo un cuadro de Courbet mucho más atrevido y creativo. Ya no es un retrato de mujer desnuda si no un retrato del sexo femenino. Nos vamos acercando a la cuestión. Lo que más interesa no es solo la bonita forma de la mujer, si no también, su sexo.

4. Desnudo tumbado de Amadeo Modigliani

En esta obra se añade un facto importante. El propio placer de la mujer con su sexo y con su erotismo. No solo se representa un desnudo, también una sensación.

Esta es la primera parte de un buen tema pictórico. El sexo: Los retratos de desnudos de mujer.

Continuará…

El sentido de la existencia

El nacimiento, la vida y la muerte. Ciclo vital lleno de todo; lo bueno y lo malo.
Esta pintura fue creada por Paul Gauguin en su madurez como pintor. Es una fuerte conclusión de sus meditaciones. Pintura llena de símbolos, ideas, sensaciones y que muestra en mi opinión un poco de la esencia del ser humano: nuestra búsqueda del sentido de la existencia.

¿De dónde venimos? ¿Quién somos? ¿Adónde vamos?

En este texto, carta a C. Morice, de 1901, tenemos una explicación del cuadro del propio Paul Gauguin.

“En este gran cuadro:
¿Adónde vamos?
Tras la muerte de una anciana.
Un pájaro extraño, estúpido concluye.

¿Quién somos?
Existencia diaria.
El hombre de instinto se pregunta lo que quiere decir todo esto.

¿De dónde venimos?
Manantial. Niño. La vida empieza.
El pájaro concluye el poema comparando el ser inferior frente al ser inteligente en este gran todo que es el problema enunciado por el título.

Tras un árbol dos siniestras figuras, envueltas en ropas de color triste, ponen detrás del árbol de la ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia, incluso en comparación con unos seres simples en la naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegría de vivir.”

Análisis visual del cuadro

El cuadro está lleno de simbologias que podemos razonar y comprender pero el cuadro es una pregunta abierta, una búsqueda del sentido del existir.

Sin embargo, para que nuestro razonar sobre el cuadro fuese más sencillo, en el extremo superior Gauguin incluyo el tema del cuadro como título:

1. El título: D´ou venons nous? Que sommes nous? Oú allons nous?

En el centro destaca la figura vertical cojiendo un fruto. Para mi, esto simboliza el momento en que, según la biblia, se cojió el fruto prohibido del árbol de la sabiduria y por lo tanto es el paso entre pertenecer a la naturaleza o, al tomar conciencia y saber, empezar la vida fuera de ella.

Abajo a su izquierda hay una niña comiéndose un fruto igual que el que está cojiendo la figura central. En mi opinión simboliza la toma de conocimientos y por lo tanto la educación y civilización del ser humano.

También abajo, a la derecha, hay una figura que se oculta, con rostro oscuro, y que me parece que simboliza la misma verguenza que mostraron Adan y Eva al verse desnudos tras comer el fruto. Es decir, la pérdida de la inocencia.

Por otra parte están las dos estructuras triangulares (marcadas en linea azul) que son dos ideologías contrarias pero con el mismo fin:

2. El dios.

La estructura de la izquierda está coronada por un ídolo, símbolo de religión, superstición, creencias primitivas, etc. Ideologías y conocimientos espirituales que históricamente han servido como explicación de la pregunta questionada. La mujer que vemos tras el ídolo medita sobre las respuestas que este “dios ” le ha proporcionado a sus dudas existenciales.

3. La ciencia

A la derecha, arriba, en la punta de inicio del segundo triángulo están las dos figuras que salen de debajo del árbol de la ciencia que dice Gauguin en su carta. Por lo tanto son dos figuras que razonan, meditan y conocen. En contra del anterior icono, místico y espiritual, éstas simbolizan el esfuerzo humano de comprender por medio de la razón y la ciencia.

4. La vida

Las dos bases de los triángulos son la representación de la propia vida.

A la derecha, en primer plano tenemos a las misteriosas y seductoras figuras que miran hacia nosotros. Nos atraen hacia la vida, el placer y la alegria. Son la viva expresión del “aprovecha el momento”, el “vive ahora”. Y por ésto, creo que simbolizan un poco el mensaje final del cuadro, su sentido.

Más abajo y a la derecha hay un bebé que es todo un misterio.
No es un símbolo de vida, puesto que allí tumbado sobre una roca y con el rostro oscurecido, nos parece más un enfermo. Detrás de él, una mujer le da la espalda.
Gauguin había perdido hacía poco a una hija pequeña. Este tráuma parece que queda reflejado como un aditivo a la gran pregunta sobre la vida que formula el cuadro. Cómo entender la pérdida de un hijo. Imposible resolución.
Así pues, Gauguin pone juntos aquí, dos extremos de la vida: Las mujeres que son el placer (felicidad, alegria de vivir) y el niño muerto es el gran dolor (penas y sufrimientos de la vida). Ambos extremos forman parte de la vida.

Por último también dos contrarios. Vejez y juventud están presentes al otro lado, en la parte izquierda.

El retorno a la Naturaleza.

La decisión de Gauguin de abandonar la vida en civilización y la sociedad y marcharse a las islas del Pacífico a pintar, está unida a su búsqueda de la felicidad.

La vida en el mundo moderno es una selva inventada por la especie humana que nos facilita la vida pero no su disfrute.
En el mundo natural se puede sentir la existencia de las cosas, el ser y el vivir, pero hay que ganarse día a día el bienestar.
Creo que con estas ideas quiso Gauguin poder sentir la vida y poder transmitirla en imágenes.

El retorno a la naturaleza para él, sin embargo, le supuso la ruina económica, sufrimientos físicos y enfermedades, soledad y depresión. Pero a cambio, pudo observar la belleza de vivir en todo su esplendor, en un pequeño paraíso natural.

La belleza de la vida y el sufrimiento juntos nos hacen tambalear y la duda sobre el sentido de las cosas es la clave para seguir o no.
Esta pintura es un esfuerzo increíble. Al plantear directamente este tipo de temas, humanos, existencialistas, necesarios y profundos, Paul Gauguin realiza un jaque mate contra toda la pintura falta de espíritu, de vida interior, contra todo aquello donde se expresa un desaprovechamiento del ser y un fatal desprecio de las cosas valiosas.

La influencia de Gauguin en artistas posteriores va más allá de la técnica pictórica y el estilo.
Aportó el “razonar sobre el cuadro” que luego muchas nuevos artistas han desarrollado en otros movimientos artísticos.

Creo que este cuadro no tiene igual. Necesitamos obras como estas.
Es una imagen que habla sobre la vida en si misma, buscando su sentido. Haciéndonos pensar sobre ella.

Aunque el cuadro no puede aportar una respuesta concreta, el espectador si puede sacar su propio mensaje.

Para mi, después de todo, la vida tiene sentido por si misma.

…

Este artículo pretende desarrollar la auto-confianza en uno mismo como Artista, la independencia, la propia identidad y la fe en lo que uno puede hacer.

¿Soy o no soy artista? Esa es la cuestión.

Si soy Artista es porque creo obras de arte, estoy concentrado/a en el tema creativo, aprendo y comprendo. Pero, ¿y si todo eso lo hago mal? ¿Y si, pinto mal, no me concentro y no pinto con frecuencia, no practico y mis obras no son como yo quiero?
Claramente, mi obra será un desastre, pero ¿sigo siendo Artista?
Yo creo que si, pero ¡qué malo! ¡El Artista vago y sin pasión!

Sin embargo, cuando un Artista deja de ser Artista es precisamente cuando deja de llamarse Artista a si mismo y sus objetivos no son artísticos.

La Fe Racional en uno mismo como requisito indispensable.

Esto es lo que dice el maestro Erich Fromm sobre la Fe en uno mismo:

“En igual sentido, tenemos fe en nosotros mismos. Tenemos conciencia de la existencia de un yo, de un núcleo de nuestra personalidad que es inmutable y que persiste a través de nuestra vida, no obstante las circunstancias cambiantes y con independencia de ciertas modificaciones de nuestros sentimientos y opiniones. Ese núcleo constituye la realidad que sustenta a la palabra “yo”, la realidad en la que se basa nuestra convicción de nuestra propia identidad. A menos que tengamos fe en la persistencia de nuestro yo, nuestro sentimiento de identidad se verá amenazado y nos haremos dependientes de otra gente, cuya aprobación se convierte entonces en la base de nuestro sentimiento de identidad.

(…) La fe en uno mismo es una condición de nuestra capacidad de prometer, y puesto que, como dice Nietzsche, el hombre puede definirse por su capacidad de prometer, la fe es una de las condiciones de la existencia humana.

(…) La presencia de dicha fe es lo que determina la diferencia entre educación y manipulación. Educación significa ayudar al niño a realizar sus potencialidades. (…)Lo contrario de la educación es la manipulación, que se basa en la ausencia de fe.(…)

(…) Tener fe requiere coraje, la capacidad de correr un riesgo, la disposición a aceptar incluso el dolor y la desilusión. Quien insiste en la seguridad y la tranquilidad como condiciones primarias de la vida no puede tener fe; quien se encierra en un sistema de defensa, donde la distancia y la posesión constituyen los medios que dan seguridad, se convierte en un prisionero.”

Cómo ser Artista y no morir en el intento

Lo que en mi opinión hay que hacer es simplemente ser uno mismo, expresar lo que se necesita expresar, hacer las cosas como a uno mismo le gusta (no por los demás), pensar las cosas y experimentarlas. En definitiva, ser auténtico para uno mismo y crecer.

El éxito no es nada ni la obra que se pueda dejar tampoco. Lo importante es llegar a comprender y vivir la experiencia de la creación de una obra propia, sentida y con sentido. Te sorprenderá lo que puedes hacer y no sabias de ti mismo. Es entonces cuando nace el estilo, se refuerza y se hace único.

Solo con la experiencia se avanza. Quedarse parado y no hacer nada es anular un espíritu que por naturaleza quiere estar activo.

A aquellos Artistas asesinados por las críticas, los medios, los obstáculos, la depresión, los deseos frustrados y muchos otros problemas, deben volver al inicio, empezar el camino y no volver a olvidarse de ser “auténticos”.

En una persona nace una idea.

Esta idea se hace fuerte y poderosa. Tanto que esta persona la busca en el mundo para ver si ya existe y sentir que no es solo una locura en su mente.

Al buscarla no la encuentra y le acosa un sentimiento de soledad, dudas y desasosiego.

Aquí nace la necesidad de expresar esa idea y para ello se busca un medio de expresión.

La idea continúa en la cabeza y esta persona necesita ahora que una técnica sea capaz de representar su idea tal y como está en su cabeza.

Cuanto más fuerte es la idea más poder tiene sobre la capacidad expresiva de esta persona que busca por todos los medios serle fiel y que NO se desvíe el mensaje.

Por fin, en un momento dado, la idea aparece físicamente delante de esta persona con forma de Obra.

Así es como una persona puede satisfacer su necesidad de expresarse pero según sea la naturaleza de sus ideas, y el valor de la obra en sí misma, esta satisfacción puede expandirse hacia la Felicidad o truncarse hacia el Dolor y la Angustia.

Esto ya es fruto de los complicados deseos humanos, de los cuales es testigo el Arte.

Dejando a parte la naturaleza de los deseos, lo importante es que estos deseos se vuelvan a producir y generen la necesidad de expresión. Entonces se desarrolla la técnica artística y se llama a esta persona “Artista”. No solo por el desarrollo técnico sino también por la voluntad interior.

Estas expresiones cuando toman contacto con otras personas son una interacción y comunicación entre los seres humanos. De algún modo expresan cómo somos, cómo vemos el mundo que nos rodea o nuestro mundo imaginario, y muchas cosas más sobre unos seres tan complejos, especiales e irrepetibles como somos las personas.

La creatividad artística son las soluciones que una persona va encontrando al enfrentarse a las técnicas artísticas y a sus propias ideas con una fuerte voluntad expresiva y comunicativa.

En el tema “Creatividad, patrones mentales y circuitos cerebrales” estudié los aspectos biológicos de la creatividad. Aquí trato el tema psicológico y de voluntad.

Para mi, más allá de las capacidades físicas y biológicas está la capacidad psicológica y la fuerza de la voluntad como factor imprescindible para tener una gran Creatividad.

Por último decir que a la Creatividad no le sirven plagios ni facilidades. Que no existe si no se ha recorrido el camino completo. Ni tampoco si el desarrollo no ha sido un conocimiento comprendido por la propia experiencia vivida. Y por lo tanto es inseparable la Creatividad y la Autenticidad.

Para ser auténtico hay que tener mucha Fe en uno mismo y en las propias ideas u obras, porque este camino se recorre en soledad excepto en milagrosas excepciones.

¿Por qué unas personas son más creativas que otras?

Por lo que he leído en diversos libros hay dos razones o factores para explicar científicamente esta capacidad en el cerebro.

Una razón son los Patrones Mentales. Esto significa la tendencia de nuestra mente por captar más mensajes por medio de un sentido o canal. Quien tiene unos patrones mentales visuales más desarrollados, atiende y comprende mejor con imágenes. Quien ha desarrollado más su percepción por el oído aprende más fácilmente al escuchar. Es decir, el patrón mental de una persona es su sistema de percepción de la información.

Estos patrones mentales se desarrollan en la infancia cuando el cerebro empieza a percibir información por medio de los sentidos (vista, oído, tacto, gusto y olfato)..

Esto es un factor fundamental para la creatividad y que además define el tipo de creatividad.

Por ejemplo, quien desarrolla un gran patrón acústico tiene una gran capacidad perceptiva de los sonidos y con ello una mayor capacidad para aprender y configurar mezclas de sonidos.

En el caso de la pintura, una persona que tiene un gran patrón mental visual, capta y aprende más fácilmente las imágenes. En su memoria quedan fijadas estas imágenes y gracias a ésto podrá convinar y crear nuevas imágenes.

Esta es una de las razones encontradas por la ciencia para comprender el talento y la capacidad de una persona a la hora de ser creativo.

La otra razón también relacionada con el cerebro son unos circuitos cerebrales que Mark Lythgoe llama “Inhibidores latentes”. En el libro “El viaje al amor”, Eduardo Punset explica que existen en el cerebro estos circuitos que filtran y eliminan los ruidos externos y otras distracciones para permitir la concentración.

La mentalidad del Científico tiene muy fuertes estos circuitos y por ello es capaz de concentrarse en un tema para desarrollarlo a fondo.

Por otra parte, en la mentalidad del Artista fallan estos “Inhibidores latentes” y por ello entran en el pensamiento ocurrencias que provienen de algo visto u oído, interacciones del mundo exterior y en general, distracciones que intervienen y modifican el pensamiento.

Esta concentración tan volatil del Artista a veces puede desviar y desvanecer el pensamiento pero otras veces lo que hace es nutrirlo de elementos nuevos que se fusionan con los conocimiento previos y generan ideas nuevas.

Como dice Punset: “La Creatividad requiere una apertura constante del espíritu y confianza en las ideas y opiniones de los demás, de todo lo que aflora alrededor, que difícilmente puede darse cuando los inhibidores no tienen imperfecciones flagrantes. Solo cuando fallan se puede ser creativo.”

Efectivamente la mentalidad del Científico y la del Artista son dos polos opuestos. Pero entre ambos hay toda una gradación y cada persona tiene un grado más cerca o lejos de cada polo.

También ocurre que alguien con mentalidad de Artista se dedica a la ciencia por ser su afición y viceversa, que alguien con mentalidad científica se dedique al arte.

Además, así como un Artista necesita, en un momento dado, concentrarse muchísimo para dominar la ciencia y las ideas, también el Científico necesita distraerse y dejar de pensar en su problema científico para dejar que su mente tome contacto con el exterior y puedan así surgir las ideas.

Aconsejo al Artista que quiera concertrarse que se aisle del mundo para lograrlo, ya que sus “Inhibidores latentes” fallan mucho!! Y a los científicos que de vez en cuando levanten la cabeza del ordenador!!