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Lo sublime es una categoría estética, derivada del escritor griego Longino, y que consiste fundamentalmente en una belleza extrema, capaz de arrebatar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar.
El concepto de lo “sublime” fue redescubierto durante el Renacimiento, y gozó de gran popularidad durante el Barroco, durante el siglo XVIII alemán e inglés y sobre todo durante el primer Romanticismo.
Según Longino, hay cinco caminos distintos para alcanzar lo sublime: “grades pensamientos, emociones fuertes, ciertas figuras de habla y de pensamiento, dicción noble y disposición digna de las palabras”.
Escritos sobre este tema
“Una investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas de lo sublime y lo bello” (1756) de Edmund Burke. Para él lo sublime y lo bello son categorías que se excluyen mutuamente, del mismo modo en que lo hacen la luz y la oscuridad. La belleza puede ser acentuada por la luz, pero tanto una luz demasiado intensa como la total ausencia de luz son sublimes, en el sentido de que pueden nublar la visión del objeto. La imaginación se ve así arrastrada a un estado de horror hacia lo “oscuro, incierto y confuso”. Este horror, sin embargo, también implica un placer estético, obtenido de la conciencia de que esa percepción es una ficción.
Y para Emmanuel Kant lo sublime es “lo que es absolutamente grande”. Pero teniendo en cuenta el poder de estas visiones sobre la persona, causa un displacer enraizado en el miedo.
Así, lo bello es una tranquila contemplación, un acto reposado, mientras que la experiencia de lo sublime agita y mueve el espíritu, causa temor, pues sus experiencias nacen de aquello que es temible, y se convierte en sublime a partir de la inadecuación de nuestras ideas con nuestra experiencia.
Kant interpreta la naturaleza como fuerza, y en ella está lo sublime:
“Rocas audazmente colgadas y, por decirlo así, amenazadoras, nubes de tormenta que se amontonan en el cielo y se adelantan con rayos y con truenos, volcanes en todo su poder devastador, huracanes que van dejando tras de si desolación, el océano sin límites rugiendo de ira, una cascada profunda en un río poderoso, etc, reducen nuestra facultad de resistir a una insignificante pequeñez, comparada con su fuerza. (…) llamamos gustosos sublimes a esos objetos porque elevan las facultades del alma por encima de su término medio ordinario”.
Arthur Schopenhauer hizo una lista de las etapas intermedias desde lo bello hasta lo más sublime:
- Sentimiento de lo bello - La luz reflejada en una flor (placer por la percepción de un objeto que no puede dañar al observador).
- Sentimiento muy débil de lo sublime - La luz reflejada en unas rocas (placer por la observación de objetos que no suponen una amenaza, pero carentes de vida).
- Sentimiento débil de lo sublime - Un desierto infinito sin movimiento (placer por la visión de objetos que no pueden albergar ningún tipo de vida).
- Sentimiento de lo sublime - Naturaleza turbulenta (placer por la percepción de objetos que amenazan con dañar o destruir al observador).
- Sentimiento completo de lo sublime - Naturaleza turbulenta y abrumadora (placer por la observación de objetos muy violentos y destructivos).
- Sentimiento más completo de lo sublime - La inmensidad de la extensión o duración del universo (placer por el conocimiento del observador de su propia insignificancia y de su unidad con la naturaleza)
Y por último destaca Víctor Hugo, que define lo sublime como una combinación de lo bello y lo grotesco, opuesta a la idea clásica de perfección. Sus obras escritas: El jorobado de Notre Dame y Los Miserables.
Pinturas y Acuarelas de William Turner
Este pintor expresa la idea de “sublime” que se desarrolló en el romanticismo. Una idea que une el placer estético que provoca la belleza con el displacer que decía Kant y que exalta el corazón y la mente.
Destaca en Turner su creación de atmósferas, su utilización de empastes y una representación de la luz impresionista. Por supuesto, es precursos del impresionismo. Pero sobretodo destaca la libertad de su pincelada. Y en mi opinión, aunque puedo equivocarme, el uso de un color muy del romanticismo: el amarillo de nápoles, que tiene una calidad “impresionante” y es ideal para crear la luz de turner.
Turner es llamado el mejor acuarelista inglés y es uno de los artistas que más han desarrollado y revalorizado esta técnica. La acuarela pasó así a ser considerada una técnica independiente y de calidad.
Acuarelas de Turner:
Óleos de Turner:
El temerario remolcado a dique seco, (1839).
El naufragio.
Lluvia, vapor y velocidad, pintado en (1844).
El incendio en las casas del Parlamento
La batalla de Trafalgar (The Battle of Trafalgar).
El gran canal de Venecia.
Ulises burlando a Polifemo.
Anibal cruzando los Alpes.
Otros pintores románticos que también desarrollaron estas ideas en sus cuadros:
Caspar David Fiedrich destaca con su obra El caminante sobre el mar de nubes.
Consejos de LEONARDO DA VINCI: El Hombre Multidisciplinar
“Hay que contemplar, hay que pensar. Quien piensa poco, se equivoca mucho.”
Quiero destacar en esta ocasión los sabios consejos de Leonardo Da Vinci, para el arte, para la vida, y en general, para desarrollar una actitud y personalidad abierta al conocimiento.
Toda su obra es fruto de su forma de razonar y de su método para conocer por medio de una profunda y muy racional observación de las cosas.
Su búsqueda del conocimiento y de la verdad, nace de su gran admiración y amor por toda la Creación.
Estas frases resumen su pensamiento y son consejos para la vida:
“No estimar la vida, toda la vida, es no merecerla.”
“Mira la luz y admira su belleza. Cierra los ojos y observa. Lo que has visto antes ya no está. Lo que verás después no existe todavía.”
“Todo conocimiento comienza por los sentimientos.”
“Tu dios mio, vendes todos los bienes a los hombres al precio del esfuerzo”.
”Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte.”
“A los ambiciosos que no se conforman con la belleza del mundo les será impuesto el castigo de no comprender nada del esplendor del Universo.”
Frases y Consejos para el Arte. La ciencia como guía del arte.
Su observación de la naturaleza fue continua a lo largo de su vida. Hizo unos excelentes estudios de Botánica, de anatomía, de mecánica y de otras ciencias que se han desarrollado después. Estos conocimientos son la base de la coherencia, vida y sentido de sus dibujos.
“Obstinato rigore (De rigor obstinado). Que no me lea nadie que no tenga en cuenta que me apoyo en las matemáticas para todas las cosas”.
“La alternancia de las hojas en las ramas tiene dos propósitos. El primero es distribuir bien el espacio para que el aire y el sol puedan pasar entre ellas. El segundo, permitir que las gotas que caen desde la primera hoja, lleguen a la segunda, tercera, cuarta…”
“Yo formulo una teoría sobre el crecimiento de las plantas que atribuyo a la tierra, al sol, pero también al rocío y a la lluvia.
Observo de cerca las raíces, las ramas y la corteza de los árboles. Estudio el movimiento de la sabia. Busco de hecho, el principio de la vida, lo que llamo: El Alma Vegetativa.”
Destaca en su obra la representación del movimiento. Muchas de sus pinturas poseen esta sensación de movimiento: La sonrisa de Monalisa, los gestos de los apóstoles en La Última cena y su San Juan Bautista. Para Leonardo esta captación de energías y movimientos era la representación de lo vivo. La pintura debe estar viva y lo logra al generar la sensación de movimiento.
Y por otra parte, para lograr un mayor parecido de la pintura con la realidad, se percató del factor atmosférico y los elementos que influyen en la perspectiva (questión de geometría, luz y color). Desarrolló el esfumato y aquí expongo algunas frases – consejos sobre cómo llevarlo a cabo:
El Esfumato
“La textura del aire tiene un papel evidente en la percepción de los objetos lejanos. Por eso, para pintar los paisajes de la Virgen de las rocas, puse un velo de brumas sobre las montañas. Así pues, pintor, cuando representes montañas, cuida de que en las colinas las bases sean siempre más pálidas que las cimas. Cuanto más tengas que acentuar la lejanía, más pálidas las tienes que pintar. A medida que se vayan elevando irán mostrando sus auténticas formas, sus auténticos colores.”
“El intermediario, colocado entre el ojo y el objeto percibido, transforma éste objeto confiriéndole su propio color. Así la tonalidad de la atmósfera hace azules las montañas lejanas.
Si quieres que algo parezca estar cinco veces más lejos, píntalo cinco veces más azul.”
Por último añado un par de frases más que también sirven de consejo:
”Donde el alma no trabaja junto con las manos, ahí, no hay arte.”
“La naturaleza benigna provee de manera que en cualquier parte halles algo que aprender.”
”La sabiduría es hija de la experiencia.”
Picasso era hijo de un pintor que le enseñó desde pequeño a dibujar y pintar. Como niño precoz ganó una gran confianza en si mismo. Esta seguridad, su fuerte salud y un carácter pasional, le impulsaban a trabajar incansablemente y fomentaban su capacidad creativa.
Obras de su juventud
París y el triunfo
Al trasladarse a París y conocer toda la vanguardia, las absorbió rápidamente y continuó el camino empezado.
Intelectualmente, Picasso era un Genio. Comprendió que el futuro del arte estaba en fusionarlo a conceptos abstractos – racionales como el espacio y el tiempo, los símbolos. Y Picasso era un gran cerebro lleno de conceptos racionales.
Pintura Cubista
Al ser Picasso un creativo – racional, su arte deriva hacia la ciencia, la experimentación y también los juegos con la pintura.
El método científico era la forma que eligió Picasso para comprender la realidad. Este método, como ocurre con anatomistas, aprende de la desfragmentación, separación y destrucción de las formas. Y una vez destruido había que reconstruirlo y entonces creaba la pintura. En esto se basa toda su creatividad, en reconstruir con su imaginación lo antes destrozado.
Sin embargo, creo que no se puede comprender plenamente algo que se ha destruido, pues su existencia ha sido eliminada.
Sí se puede, por el contrario (como hacían Chagall y Matisse) persistir en el conocimiento de aquello que sigue existiendo y con tiempo llegar a su esencia.
Consciente de este fracaso, Picasso rechazaba su propio racionalismo de científico, dejándose llevar por la espontaneidad y los cambios de idea. Esto impedía que apareciese en su obra justo lo que él buscaba: la expresión de la emoción y los sentimientos, que requieren una gran concentración para ser expresados con arte. Es muy difícil juntar en una obra dos polos opuestos: sentir y pensar.
Una incapacidad frente a un gran talento
Creo que Picasso no amaba. Predominaba en él una visión negativa. Tenía que expresar lo horrible, lo diabólico y lo muerto. Por ello, no le importaba destruir la realidad, no necesitaba modelos y cambiaba de obra continuamente. En sus obras cuesta encontrar la inocencia de un Matisse, o el profundo cariño vital de un Chagall. Todo lo bueno y bello de la vida que otros artistas si sabían expresar.
Pero si encontramos, por el contrario, en las obras de Picasso, la alegría del juego pictórico, la imaginación pura y los descubrimientos de la ciencia. Corazón roto pero genial.
Algunas de sus destruidas y reconstruidas mujeres
Muy interesantes la Confesión de Picasso
Y el documental EL Misterio de Picasso, donde se puede ver al artista en su proceso creativo.
Ernst Ludwig Kirchner nació en Alemania y vivió de 1880 a 1938.
Sufrió la I Guerra Mundial, por lo que podemos encontrar un antes y un después que afecta a su obra.
Antes de la guerra
El joven Kirchner era un rebelde contra su burguesa familia. Decidió que prefería la vida bohemia de pintor que la de un arquitecto adinerado.
Fundó el grupo expresionista “Die Brücke”, El Puente, con 25 años.
Este movimiento se enfrentaba al impresionismo francés. Según él, gracias a los alemanes se había desarrollado la expresión espiritual en la pintura y el impresionismo era una forma superficial de representar la existencia. Criticaban al resto de europeos, al arte de París, sobretodo, por esa falta de espíritu. Sin embargo, Kirchner siempre recibió las influencias del exterior adoptándolas y nutriendo su estilo.
Su gran influencia filosófica era Friedrich Nietzsche que hablaba de crear un “puente” entre el arte del pasado y el del futuro, y de ello surgió el nombre “Die Brucke” del grupo expresionista.
La obra fundamental de todas estas ideas es la “Estética y teoría de las artes” donde Nietzsche afirma que el arte (y la estética) es la actividad fundamental de la vida.
¿Dónde hay belleza?
Allí donde yo tengo que querer con toda mi voluntad,
allí donde yo quiero amar y hundirme en el ocaso…
(Fr. Nietzsche)
Es decir, ¿dónde hay belleza? ¿Está en el mundo que vemos, nos impresiona y podemos representar? ¿O está allí donde la persona la encuentra y surge de su interior y la podemos inventar?
Éstas son dos posturas contrarias y que deciden cómo serán las formas en la creación. Impresiones a partir de la realidad o expresiones internas promovidas por la imaginación. Impresionismo contra expresionismo.
Estaba además bastante obsesionado con triunfar y quedar en la historia del arte como uno de los importantes, por lo que se hacia críticas favorables a sí mismo con pseudónimos y acabó escribiendo un manuscrito donde se atribuía todos los éxitos del grupo expresionista.
Donde Kirchner encontraba la belleza era en sus modelos, desnudos, prostitutas, calles berlinesas, y la sociedad de ciudad del momento.
Después de la Guerra
El último Kirchner es el que volvió de la I Guerra Mundial. Una guerra promovida por imperialistas y nacionalistas. Una guerra de trincheras entre países vecinos.
La sensibilidad del artista no pudo soportar esas matanzas entre hombres cara a cara. Se trastornó hasta el punto de necesitar ser trasladado a un manicomio donde permaneció aterrado por la idea de que le hiciesen volver a las trincheras.
Solo cuando finalizó la guerra pudo recuperarse. Pero antes, con la salud mental totalmente desequilibrada se fue a Davos (Suiza) donde buscó volver a dale sentido a su vida y recuperarse pintando lo contrario de lo que había pintado hasta entonces. Si antes buscó el ajetreo de la ciudad, sus modelos, la sociedad y la vida bohemia, ahora tenía como modelo a las quietas montañas.
Estas son las obras que presento aquí de Ernst Ludwig Kirchner. Las montañas de Davos, sus imponentes árboles, la vida en este lugar de grandiosa naturaleza. Su arte se relaja y la pincelada, menos frenética, toma más sentido.
Aquí encuentra un grandioso modelo, que absorbe la furia de formas y colores del estilo expresionista. La energía del color fluye con cada pincelada, emocionalmente desbordado ante la potencia del lugar. Montañas y árboles vivos y poderosos.
Estos son los cuadros, que en mi opinión, muestran mejor la búsqueda espiritual de la que el artista siempre habló. Su intención rebelde y escandalizadora ha sido sustituida por una percepción y composición del mundo más intensa y con espíritu propio. Su pintura habla por fin sobre el espíritu y la emoción.
Años más tarde, con el régimen nazi en el poder, su Arte fue retirado y declarado “Arte degenerado”. Muchas obras suyas fueron vendidas y destruidas. Este fracaso en su sociedad le afectó tanto que se suicidó 1938. Sus obras serían redescubiertas en 1968 por un norteamericano, Donald E. Gordon, y fue recuperado para la historia del arte.
Montañas de Davos pintadas por Ernst Ludwig Kirchner
Árboles pintados por Ernst Ludwig Kirchner en Davos
Esta es una recopilación de los nenúfares de Claude Monet (1840 - 1926).
Estas obras no son para ser pensadas sino para ser sentidas. Así que brevemente expongo que este gran artista impresionista era un “pintor hasta la muerte”. Pasó graves dificultades económicas desde joven y siguió pintando. Triunfó con el grupo impresionista rompiendo con la historia del arte. Después fue ignorado al nacer los movimientos artísticos que se enfrentaban al impresionismo como el expresionismo y simbolismo, pero Monet siguió pintando fiel a sus ideas. Y al final de su vida, cuando creó algunas obras maestras, enfermo de cataratas y estaba casi ciego, siguió pintando.
Al final de su historia queda un amplio legado de obras donde busca la belleza de la luz, la sensación provocada por los colores, y además, saca a relucir la abstracción de la naturaleza de un modo aún no expresado.
A quien le guste mucho este estilo puede visitar El Museo de la “Orangerie” en París, donde se exponen los grandes paneles de nenúfares de las cuatro estaciones del año y pintados para una sala circular. Así la experiencia pictórica era potenciada con la arquitectura. Se puede también visitar la web del museo pulsando aquí.
Por último decir, que la pincelada de Monet es ideal para aprendices de arte. Enseña a liberar la mano, a penetrar en los tonos y colores de lo que vemos y a conocer cómo se influencian los colores entre si.
Y ahora, disfrutemos del jardín pictórico de Monet, del agua y la vida que de ella fluye. Dejémonos llevar por los sonidos y las atmósferas que se pueden sentir gracias a la pincelada libre de Monet.
Pinturas de Nenúfares de Claude Monet
