Archivo de Mayo, 2008
Hacer la obra bien
A este autor le gustaba sin duda hacer las cosas bien. Es decir, no solo pensaba las composiciones, los colores que iba a usar, los elementos exactos del cuadro y el conjunto, sino también los acabados. Y esto se debe a la gran influencia de una doctrina que hacia poco había empezado a desarrollarse. No me refiero al modernismo, que es un estilo, y como todo estilo, no es más que una forma de hacer las cosas. Sino a la nueva profesión del Diseño Gráfico. El diseño de carteles, de anuncios, de packaging, etc que ya estaba en pleno funcionamiento con fuerte nacimiento histórico en el Modernismo.
Un diseñador gráfico tiene una forma de crear distinta a la que tenían entonces aún los pintores. Toma un limitado número de elementos y los conjuga para crear una composición que presenta un tema. Esta forma de pensar la adoptó Klimt y se ve reflejado en las obras. Son pinturas de un diseñador con objetivos artísticos (no comerciales, que sería para presentar un producto, sino expresando temas humanos).
Esta mentalidad de Diseñador significa muchas cosas que resumo brevemente y ya desarrollaré en otra ocasión cuando hable de Estilos pictóricos específicos de diseño gráfico. Se resume en las siguientes matizaciones artísticas:
- La toma de conciencia de la fuerza de un estilo personalizado y en un principio la estilización (deformación consciente para aumentar la expresividad y que aleja de la representación). Conocimiento de los elementos gráficos.
- La creación y predominio de unas composiciones que presentan los elementos elegidos. Esto excluye la necesidad de crear un espacio natural y realista donde colocar las figuras, y por lo tanto, se libera la composición de las formas.
- El decorativismo como fuente de atracción.
Sin embargo, aunque Klimt realizó mucha obra gráfica y trabajos de diseño, tenía una gran voluntad artística. Sobretodo necesitaba expresar lo que algunos críticos han llamado “su obsesión con el sexo femenino”. Porque a él, más allá de la época que vivió, del Modernismo creciente, de la explosión de las Artes de esa época, y más allá de sus clientes y críticos, la mujer era sin duda la que le daba ganas de pintar.
Una de sus obras más famosas es Danae, de la que se puede leer mil críticas con las que, desde mi punto de vista como mujer, no estoy de acuerdo. A veces los críticos gastan cientos de líneas sobre el tema de un cuadro, que si el tema mitológico, que si las obsesiones sexuales y el órgano sexual masculino simbolizado por un cuadradito a la izquierda entre los adornos, que si se demuestra el egocentrismo femenino, que si la mujer es reducida a su sexo…. ¿?? Todo eso lo leí en unas 10 líneas y me parece todo una idiotez. Así que voy a hacer yo mi propia crítica del cuadro, para que un punto de vista femenino y de una persona artista aporte algo diferente a tanta crítica de quien no coge un pincel.
Crítica de Danae
Esta obra está en la cumbre del estilo personal creado por un pintor con mucha experiencia y libertad. Diez años después moriría de un derrame cerebral con 56 años. En primer lugar, así pues, abría que decirle enhorabuena a Klimt y que te quiten lo bailao! Porque son las obras creadas para el goce de uno mismo las que más suelen triunfar.
Con su mentalidad de diseñador tenía que presentar dos elementos básicos de la leyenda griega: Danae y la lluvia de oro (Zeus) amando a la joven. Tema que encontró perfecto para su trayectoria artística.
La composición no es circular sino en espiral, para generar el movimiento hacia dentro de ella. Es una composición sencilla donde el encuadre de cerca le da toda la fuerza a la obra.
Los colores se reducen para destacar el cuerpo y el oro. Éstos son los dos elementos que definen el estilo de Klimt: Sexo y Riqueza. Estos dos elementos son los que configuran su creatividad erótica. Nos seducen las carnes y nos seduce el oro, las joyas, el glamour de los tejidos y los elementos decorativos siempre presentes.
La obra muestra, sin más, el acto sexual. Se concentra en un momento de éxtasis expresado con el rostro de la chica, y es su placer el que se expande y agrada a aquellas personas que aman el sexo, que no lo temen ni ven como tabú.
Otras obras de Klimt, erotizadas con mujeres desnudas y riquezas.
Nombres: Serpientes Marinas, Las tres edades de la mujer, El Beso, Vida y Muerte, y La joven virgen.
La acuarela tiene las siguientes ventajas:
- Obras muy vivas.
- Es una de las mejores técnicas para la representación del agua.
- Un color y una fusión de los colores muy bella.
- Si se sabe trabajar, la luz en la acuarela es radiante y potente.
- El grafismo y la textura del material, normalmente papel de grano visible, le aporta una gran cualidad plástica.
La acuarela tiene las siguientes desventajas:
- El material que se debe utilizar debe absorver el agua pues esta técnica funciona con la fluidez de la pintura disuelta en agua y que al secarse queda fijada. Esto implica una limitación de materiales. Si no utilizamos un material que absorva el líquido la pintura correrá y será imposible de dominar.
- Puesto que los materiales deben absorver el agua, se suele utilizar papel y cartón. Ambos materiales son frágiles y requieren cuidados. Hay que prevenir los agrietados, agujereados, mientra se pinta, y protejer de la luz, que decolora. Por supuesto, hay que encristalar la obra.
- El gran formato queda limitado por culpa de las limitaciones anteriores. Sería bastante engorroso pintar un papel de 50 metros y más aún encristalarlo. Aunque no es imposible, claro.
- Por último, la acuarela es MUY DIFICIL!!!!
Claves de la acuarela
Para pintar acuarela hay que tener, además de mucho gusto, otras tantas cualidades:
- Control de la técnica de reservas y el pintado de claro a oscuro. (No es una técnica aditiva como el óleo donde podemos corregir muchas veces añadiendo pintura encima).
- Control de la fluidez y espesor de la pintura.
- Control del soporte, del papel, de su capacidad de secado … agua quedate quietaaa!!!
- Saber pintar con la pincelada, rasgados, esponjas, etc.
- Saber hacer reservas en el soporte para luego sacar la luz y las formas.
- Conseguir que no se estropée el papel de ninguno de las millones de formas posibles que hay.
- No abusar ni excederse en pintura y pinceladas.
- Aplicar justo lo necesario y lo definitivo. Todo en su sitio correcto y meticulosamente medido. Control de la composición con el sistema de reservas ya dicho.
- Y sobretodo, saber elegir bien el tema o motivo pictórico.
Acuarelas realizada con la técnica del pincel seco.
Obra de Richard Bolton.
Pintura realizada con pinceles chinos de pelo de cabra o de bambú que aportan mayor capacidad a la técnica del pincel seco.
Pintar con la pincelada.
Lirios amarillos de Charles Reid
Amapolas pintadas con pinceladas de trazos cortos y anchos, efectuados con un giro de muñeca.
La acuarela, es chunga pero muy agradecida. Sobretodo si se ha sido agradecido en la tienda de materiales.
¡¡Ánimo!!
Sandro Botticelli es uno de los artistas que más han influenciado a otros artistas y su estilo y talento han impulsado el deseo de pintar de muchos otros, que impresionados por las imágenes y la belleza de sus obras han intentado seguir sus pasos.
Sin embargo, la belleza de las mujeres que pinta Botticelli es una mezcla entre tristeza, melancolía, quietud, tranquilidad y dulzura.
Al ocultar su mirada, se dejan mirar, y nunca nos regañarían por mirarlas tan fijamente.
Las mujeres de Botticelli nunca tienen una alegre sonrisa. Les está prohibido expresar emociones fuertes, ni alegría ni horror. Expresan también, de este modo, un corazón muy sensible, necesitado de cariños y dulzuras. ¿Quién no podría querer a un ser tan sensible y recatado? Se las hace atractivas con esta personalidad sosegada, dócil y amorosa. ¡Y no les grites porque están a punto de llorar!
Muchas veces, las mujeres solo están concentradas en pensamientos propios, una vida interior que nos atrae curiosamente por su misterio.
Y otro aspecto muy importante en este estilo son los elementos decorativos. Son como pequeños regalos que intentan animar a las melancólicas figuras. Brillantes dorados, telas con preciosas texturas, flores, pequeñas hojas… Todo realizado con la llamada “linea sensible” que contornea las formas suavemente y enlaza unos elementos con otros.
Y por último, todo bañado con una luz suave, sin sombras y luces muy contrastadas, sino con degradados armoniosos y de tonos claros.
Así pues, estos son algunos de los trucos que utilizaba Botticelli para que sus preciosas doncellas nos agradasen y encandilasen. Y lo conseguía sin duda.
Virgen del Magnificat
Estudio para la Creación de Adán de Miguel Ángel Buonarroti.
La anatomía masculina
Miguel Ángel Buonarroti es el maestro por excelencia del dibujo anatómico de la figura masculina, musculosa, de posturas complejas, de fuerte dibujo e impresionantes degradados de las carnes.
Aconsejo aprender anatomía copiando sus dibujos y pinturas. Con unos músculos bien marcados y encajados, incluso a veces, excesivos músculos, al copiarlos, no solo lo pasaremos bien, si no también quedarán en nuestra memoria.
Este artista era vocacionalmente escultor. Una de sus obras más famosas , considerada por muchos el mejor desnudo masculino, es la escultura de su David.
Pero en la Capilla Sixtina, en el Vaticano, podemos encontrar montones de desnudos impresionantes.
El cuerpo del hombre era sin duda un tema predilecto para este artista.
Sus obras resultaban escandalosas y fué muy criticado en su época. Sin embargo, superó el tabú de la época y ha llegado a nosotros su estilo fuerte y las formas que él decidió hacer así.
El pecado original
Este es un fragmento del episodio bíblico donde Eva comete el pecado original.
Miguel Ángel, presenta aquí a la mujer en una posturita bastante pecaminosa…
Vamos, que este artista era muy liberal, descarado y en mi opinión, gracias a este apego por los desnudos, sobretodo masculinos, realizó muy buenas obras que no pasan desapercibidas.
Aconsejo ver la pelicula sobre él “Del tormento al éxtasis”. Se muestra en ella, la torturada personalidad del artista que vivió entre sus fuertes deseos y se enfrentó a la sociedad de entonces, donde los artistas eran simples trabajadores a las órdenes de sus protectores.
Otros desnudos de hombres extraordinarios
Daniel Moruno, temperas sobre cartulina.
Esta es la obra de Daniel, un pintor que dentro de un mes cumplirá los tres años.
Es una pintura auténtica, pintada por el solo.
¿Qué intenta expresar con esta pintura?
Ninguna idea, no ha habido ningún planteamiento, ni siquiera influencias. Daniel no tiene ni idea de lo que es el Action Painting, ni ha visto nunca obras de este tipo. Lo que el conoce es Pocoyó, Micky y Winnie de pooh. Pero no creo que estuviese pensando en ellos cuando pintó este cuadro.
¿Qué es entonces esta obra?
Pues es una toma de contacto con la pintura, una experiencia. Él ya sabia que con el pincel se va manchando el papel y lo que más le gustaba era ver la pastosidad de la pintura. Es un juego con pinceles y colores.
¿Es esto arte?
Yo creo que si porque es una creación. Pero hay que entender que es un tipo de arte infantil, inocente, sin objetivos artísticos ni intereses personales. No hay pensamientos. Es una obra vacía de muchas cosas pero lleno de otras como la espontaneidad, la casualidad, la curiosidad y la sensación, cualidades que no sería posible plasmar con la interrupción del pensamiento. Es un arte puro, agradable para quien lo realiza.
¿Es Daniel un artista?
Podríamos decir que no porque él no tiene conciencia ni de quién es el mismo ni de qué está haciendo. Pero también podríamos decir que sí pensando en que toda persona posee innata la capacidad y necesidad de expresarse, y que por lo tanto, todo el mundo lleva un artista dentro de si.
En mi opinión, Daniel no es un artista porque no tiene objetivos artísticos y que él estuviera pintando el día 22 de Mayo es una casualidad. Sin embargo, su obra sí que es artística, porque abarca lo que Daniel es, es decir, un niño, juguetón, divertido, alegre y curioso. Y poder plasmar en un papel estas cualidades humanas convierte su obra en un arte, el arte de los niños.
Pintura de Kandinsky
¿Y que pasa con Kandinsky, Jackson Pollock y otros artistas que pintar así?
En este caso pasa igual que con cualquier otro estilo. Hay artistas mejores, peores, que innovan, que copian, que se repiten o que incluso matan el estilo en si.
Los artistas del Action Painting original pretendían conseguir lo que logra un niño de tres años en cinco minutos, sacar su ser interior desconocido y crear con ello una pintura. Y eso para el arte fue una liberación y una recuperación de conceptos como la espontaneidad, las emociones, el acto de pintar en si mismo, la inocencia y el desinterés, pero también surge el descontrol, la agresividad, la obsesión y las represiones, entre otras cosas.
Cuando el Action Painting choca con la Productividad, el negocio, la edad adulta, la sociedad… entonces muere.
Este arte es en esencia el placer de pintar, con una técnica que todo el mundo puede realizar, y para desarrollar una expresión que debe nacer de dentro de cada persona. Por ello es muy aconsejable de vez en cuando y como terapia de vida, dejarse llevar por el niño que llevamos dentro y pintar sin pensamiento. Pintar por pintar.
