Paisajista francés del siglo XIX. La atmósfera, el ambiente, y en definitiva, el aire que existe y puede ser pintado, es una de sus mayores aportaciones al Arte. Sus pequeños trucos visuales son la magia y la calidad de su obra.
A orillas del lago
Elementos imprescindibles para lograr el efecto atmosférico:
- La luz de fondo. Realiza una profuncidad necesaria en los exteriores. Esta luz del cielo abraza la obra suavemente.
- Primeros planos oscuros. Un árbol con el tronco practicamente todo negro y desde el cual se expanden las ramas y se integran hacia la luz.
- Las hojas sueltas. Este truco consiste en pintar hojas brillantes, iluminadas, sobre la oscuridad de los árboles. Estas hojas se desprenden y esparcen por la imagen y constituyen el aire en si mismo, su movimiento y su temperatura.
- Las figuras humanas iluminadas con la luz del cielo. Su piel y su ropa contiene esa misma luz y ese mismo aire del lugar donde están. Para ello hay que utilizar el mismo color y tono y armonizarel conjunto. La integración es fundamental y se realiza con este reparto de colores.
La Soledad
La soledad
Más trucos en la obra de Camille Corot son:
- Las composiciones. Para aportar el sentimiento siempre hay unos personajes protagonistas. No son las personas, que son simples testigos y acompañantes, sino los árboles, fuertes, elegantes o retorcidos. Cada árbol tendrá su personalidad para aportar a la imagen esa vida propia.
- La instantánea. Muy propio del romanticismo, y que después el impresionismo explotaría al máximo. Se trata de destacar con la imagen que la vida allí contenida es perecedera y se paraliza en la obra para poder disfrutarla.
- El lugar del ser humano en el mundo. Colocados con suavidad, integrados en el medio y aportando al espectador de la obra, la capacidad de identificase con ese sentimiento.
Árboles
Otros elementos más técnicos:
- Destaca el uso de la línea, las direcciones que éstas generan y el juego compositivo a su merced.
- Y el uso del punto como elemento integrador.
- El tono y el contraste. Muy ajustados a la búsqueda de la realidad y la representación exacta.
Orfeo y Eurídice
Pintor alemán del expresionismo en el grupo “El jinete azul” junto a Kandinsky y Macke.
Destaca por su desarrollo sensible y expresivo del color. Además, centró su temática en su amor a la naturaleza y los animales. Así pues, su mensaje es muy sencillo pero para expresarlo pensaba mucho las formas y colores conforme a lograr esa expresión.
Realizó poca obra porque murió en la Primera Guerra Mundial, pero tiene varias obras muy destacadas.
Caballos Azules
Se acerca a la abstracción porque pretende expresar sentimientos, sensaciones y pensamientos que intenta representar con el simbolismo del color:
El azul representa austeridad masculina y lo espiritual, el amarillo representa la alegría femenina, y el rojo representa la violencia.
El caballo además, es un animal muy enlazado con nobleza y amor a la familia.
Con este grupo de caballos intenta expresar las uniones familiares y la fuerza que tienen los lazos afectivos. Las formas de los tres caballos están unidas, sus masas compenetradas, las cabezas de los caballos actúan de modo afectivo y se rozan entre si. La expresión de afecto se busca con todos estos detalles formales.
Rojo contra Azul
La batalla entre el bien y el mal.
La vaca Amarilla
Una vaca amarilla y feliz en medio de la naturaleza. La temática de este cuadro es muy particular, una idea propia y una expresión muy fuerte hacia unos valores olvidados: el amor a la vida natural y el amor a los animales.
Caballo mirando un campo
En una persona nace una idea.
Esta idea se hace fuerte y poderosa. Tanto que esta persona la busca en el mundo para ver si ya existe y sentir que no es solo una locura en su mente.
Al buscarla no la encuentra y le acosa un sentimiento de soledad, dudas y desasosiego.
Aquí nace la necesidad de expresar esa idea y para ello se busca un medio de expresión.
La idea continúa en la cabeza y esta persona necesita ahora que una técnica sea capaz de representar su idea tal y como está en su cabeza.
Cuanto más fuerte es la idea más poder tiene sobre la capacidad expresiva de esta persona que busca por todos los medios serle fiel y que NO se desvíe el mensaje.
Por fin, en un momento dado, la idea aparece físicamente delante de esta persona con forma de Obra.
Así es como una persona puede satisfacer su necesidad de expresarse pero según sea la naturaleza de sus ideas, y el valor de la obra en sí misma, esta satisfacción puede expandirse hacia la Felicidad o truncarse hacia el Dolor y la Angustia.
Esto ya es fruto de los complicados deseos humanos, de los cuales es testigo el Arte.
Dejando a parte la naturaleza de los deseos, lo importante es que estos deseos se vuelvan a producir y generen la necesidad de expresión. Entonces se desarrolla la técnica artística y se llama a esta persona “Artista”. No solo por el desarrollo técnico sino también por la voluntad interior.
Estas expresiones cuando toman contacto con otras personas son una interacción y comunicación entre los seres humanos. De algún modo expresan cómo somos, cómo vemos el mundo que nos rodea o nuestro mundo imaginario, y muchas cosas más sobre unos seres tan complejos, especiales e irrepetibles como somos las personas.
La creatividad artística son las soluciones que una persona va encontrando al enfrentarse a las técnicas artísticas y a sus propias ideas con una fuerte voluntad expresiva y comunicativa.
En el tema “Creatividad, patrones mentales y circuitos cerebrales” estudié los aspectos biológicos de la creatividad. Aquí trato el tema psicológico y de voluntad.
Para mi, más allá de las capacidades físicas y biológicas está la capacidad psicológica y la fuerza de la voluntad como factor imprescindible para tener una gran Creatividad.
Por último decir que a la Creatividad no le sirven plagios ni facilidades. Que no existe si no se ha recorrido el camino completo. Ni tampoco si el desarrollo no ha sido un conocimiento comprendido por la propia experiencia vivida. Y por lo tanto es inseparable la Creatividad y la Autenticidad.
Para ser auténtico hay que tener mucha Fe en uno mismo y en las propias ideas u obras, porque este camino se recorre en soledad excepto en milagrosas excepciones.
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Leonardo Da Vinci,
Artista y Científico a la vez
Albert Einstein,
Científico creativo 
Pablo Picasso,
Artista investigador
¿Por qué unas personas son más creativas que otras?
Por lo que he leído en diversos libros hay dos razones o factores para explicar científicamente esta capacidad en el cerebro.
Una razón son los Patrones Mentales. Esto significa la tendencia de nuestra mente por captar más mensajes por medio de un sentido o canal. Quien tiene unos patrones mentales visuales más desarrollados, atiende y comprende mejor con imágenes. Quien ha desarrollado más su percepción por el oído aprende más fácilmente al escuchar. Es decir, el patrón mental de una persona es su sistema de percepción de la información.
Estos patrones mentales se desarrollan en la infancia cuando el cerebro empieza a percibir información por medio de los sentidos (vista, oído, tacto, gusto y olfato)..
Esto es un factor fundamental para la creatividad y que además define el tipo de creatividad.
Por ejemplo, quien desarrolla un gran patrón acústico tiene una gran capacidad perceptiva de los sonidos y con ello una mayor capacidad para aprender y configurar mezclas de sonidos.
En el caso de la pintura, una persona que tiene un gran patrón mental visual, capta y aprende más fácilmente las imágenes. En su memoria quedan fijadas estas imágenes y gracias a ésto podrá convinar y crear nuevas imágenes.
Esta es una de las razones encontradas por la ciencia para comprender el talento y la capacidad de una persona a la hora de ser creativo.
La otra razón también relacionada con el cerebro son unos circuitos cerebrales que Mark Lythgoe llama “Inhibidores latentes”. En el libro “El viaje al amor”, Eduardo Punset explica que existen en el cerebro estos circuitos que filtran y eliminan los ruidos externos y otras distracciones para permitir la concentración.
La mentalidad del Científico tiene muy fuertes estos circuitos y por ello es capaz de concentrarse en un tema para desarrollarlo a fondo.
Por otra parte, en la mentalidad del Artista fallan estos “Inhibidores latentes” y por ello entran en el pensamiento ocurrencias que provienen de algo visto u oído, interacciones del mundo exterior y en general, distracciones que intervienen y modifican el pensamiento.
Esta concentración tan volatil del Artista a veces puede desviar y desvanecer el pensamiento pero otras veces lo que hace es nutrirlo de elementos nuevos que se fusionan con los conocimiento previos y generan ideas nuevas.
Como dice Punset: “La Creatividad requiere una apertura constante del espíritu y confianza en las ideas y opiniones de los demás, de todo lo que aflora alrededor, que difícilmente puede darse cuando los inhibidores no tienen imperfecciones flagrantes. Solo cuando fallan se puede ser creativo.”
Efectivamente la mentalidad del Científico y la del Artista son dos polos opuestos. Pero entre ambos hay toda una gradación y cada persona tiene un grado más cerca o lejos de cada polo.
También ocurre que alguien con mentalidad de Artista se dedica a la ciencia por ser su afición y viceversa, que alguien con mentalidad científica se dedique al arte.
Además, así como un Artista necesita, en un momento dado, concentrarse muchísimo para dominar la ciencia y las ideas, también el Científico necesita distraerse y dejar de pensar en su problema científico para dejar que su mente tome contacto con el exterior y puedan así surgir las ideas.
Aconsejo al Artista que quiera concertrarse que se aisle del mundo para lograrlo, ya que sus “Inhibidores latentes” fallan mucho!! Y a los científicos que de vez en cuando levanten la cabeza del ordenador!!
La pintura pastel es una de técnica pictórica y de dibujo de una calidad excelente.
Ventajas
- Es una técnica rápida.
- Permite la representació/ copia de la realidad.
- Aporta un color vibrante y muy vivo.
- Se puede combinar con acuarela, ácrílico, óleo, collage, y otras técnicas secas y húmedas.
- Permite el método aditivo: ir añadiendo capas de color una sobre otra.
Desventajas
- Se suele pintar sobre papel y esto hace que la obra sea frágil y necesite ser protegida y bien conservada.
- El color puede ensuciarse al ser polvo, con lo que hay que saber fijarlo al soporte o tener cuidado (no darle golpes, ni vientos, ni humedad)
- Si se añade demasiada pintura, demasiadas capas, la obra puede estropearse por exceso.
- No se puede borrar totalmente como otras técnicas, por lo que los errores son difíciles de arreglar.
Pasos fáciles para pintar con pinturas pastel.
Esta es una guía rápida para ponerse a pintar inmediatamente.
- Decidir el tema de la obra y sus necesidades en cuanto a formato, soporte y expresividad.
- Adquirir una cartulina, papel Canson, cartón o similar. (Papel con algo de textura, nunca folios delgados).
- Tener barras de colores pastel. Cuantos más colores más fácil será el trabajo.Las mezclas de color pueden hacerse de tres modos: Difuminando colores distintos sobre el papel, Generando mezcla óptica al juntar al lado un colory otro, y Poniendo sobre el papel directamente el tono de color esacto que se desea (la mezcla se ha hecho ya en la barra de color).
- Tener un difumino o papel higiènico para difuminar y hacer las capas de color inferiores (lo que se debe ver debajo en la imagen).
- Fijar las capas de color del fondo con Laca o esprai fijador.
- Añadir poco a poco más capas de color según lo requiera la imagen e ir fijando si esa capa va a tener más pintura encima. Si no se fijase el polvo se uniría y se perdería el color y tono realizado.
- Añadir al final los toques de color que deben quedar vivos y vibrantes. Esto no se debe fijar o muy poco, para que no pierda la frescura y belleza del pastel.
- Enmarcar con cristal.
Pinturas de Cristina Alejos
